Pulsations

La musique

Laissez-vous dès à présent emporter par la pulsation musicale de cette soirée, de la mélancolie de Kodály aux boucles hypnotiques de Max Richter.

Path 19

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« Je joue avec la musique et je voyage dans l’architecture qui existe à l’intérieur. »
_{Lucinda Childs}

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Lucinda Childs, née le 26 juin 1940 à New York, est une danseuse et chorégraphe américaine majeure de la danse postmoderne, influencée par le milieu de l’art contemporain – les peintres Jasper Johns et Robert Rauschenberg, le chorégraphe Merce Cunningham, le compositeur John Cage – et par la recherche expérimentale du collectif du Judson Dance Theater. En 1973, elle fonde la Lucinda Childs Dance Company, avec laquelle elle développe un style reconnaissable fondé sur le détournement d’objets et de gestes quotidiens comme la marche, sur la répétition, la précision géométrique des déplacements et une forte musicalité. Elle collabore avec des artistes comme le compositeur Philip Glass, le metteur en scène Robert Wilson et le plasticien Sol LeWitt, avec qui elle a créé des œuvres majeures comme l’opéra Einstein on the Beach en 1976 ou le ballet Dance en 1979.  

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La création de Path 19  marque le retour de la chorégraphe à l’Opéra de Paris, 42 ans après Premier Orage, œuvre dans laquelle elle renouait avec la musique classique de Chostakovitch. Path 19 fait évoluer les danseurs sur la musique fluide et méditative de Max Richter, proche de l’esthétique originelle de la chorégraphe, qui inspire également le vidéaste Étienne Guiol, invité à dialoguer avec les danseurs. 

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Lamentation

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Créée en 1930 et interprétée à l’origine par Martha Graham elle-même, Lamentation  constitue l’une des œuvres fondatrices de la danse moderne américaine. Dans ce solo traitant du deuil, le costume et la scénographie deviennent parties prenantes de la chorégraphie. La danseuse est assise sur un banc, fixée en un point, érigée en monument de la douleur. Son corps est presque entièrement dissimulé dans un tube de jersey violet restreignant l’amplitude de ses mouvements, formant une membrane qui s’étire et se rétracte sous l’effet de poussées intérieures. Les jambes largement immobilisées, l’attention se concentre sur le torse, sur lequel se fonde la technique caractéristique de contraction/relâchement de Martha Graham : la contraction, initiée par l’expiration, creuse l’abdomen et arrondit la colonne vertébrale tandis que le release, associé à l’inspiration, ouvre le torse vers l’extérieur, sans entraîner ici une véritable libération. Engluées dans le tissu, les lignes naturelles s’abîment au contraire dans des torsions et des diagonales torturées. La danse cesse d’illustrer au moyen d’une pantomime codée, mais manifeste l’essence même de la souffrance, qui est déchirement, assaut, spasme, brûlure lancinante. Plus question non plus d’interprète, la danseuse étant elle-même, dans sa chair, aliénée par le dispositif. 

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Schmetterling

« Ce néoclassique expressionniste a le trait dur mais à fleur de peau. Quelque chose se débat, hurle en secret chez les personnages. »
_{Le Monde, avril 2019}

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Sur le plateau, des portiques noirs structurent l’espace, comme des seuils à franchir ou des balises rappelant les limites imposées par notre finitude. De la relation entre un fils et sa mère, Sol León et Paul Lightfoot tirent une réflexion sur le passage du temps, l’éphémère de la vie humaine – rapportée à celle du papillon qui donne son titre à la pièce – et des relations qui lui donnent son sens, malgré l’incertitude, les blessures et les difficultés à se rejoindre et à se comprendre.

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Syncopée, grimaçante, vulnérable, parfois outrée, la danse manifeste ce qui s’échafaude et ce qui se perd entre les êtres, ce qui peut se retenir et ce qui reste des gestes transmis, par lesquels les disparus s’attardent. Entre l’intimité du duo et les passages collectifs, l’image de la mère se diffracte, l’effet peut-être de la puissance du souvenir, capable de projeter ses différentes facettes, la vie n’étant qu’une somme d’instants et de postures, d’expressions creusant au fil du temps leur sillage sur les visages. « Schmetterling est un hommage à nos mères », à ces personnages d’une vie, les premières actrices de notre cinéma intérieur. Une traversée poétique réglée sur les variations mélancoliques de Max Richter et les Love Songs douces-amères du groupe Magnetic Fields.

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